TIPOGRAFÍA

Los diseñadores emplean distintos elementos en la composición de un diseño. Y cada uno de estos elementos, expresa una idea, un concepto, un mensaje. Aquí es donde se encuentra la tipografía, técnica esencial en todo diseño, ya que es una forma de comunicación mediante las palabras impresas.

TIPOGRAFÍA

Es el arte que trata el tema de las letras, números y símbolos de un texto impreso, tales como su diseño, su forma, su tamaño y las relaciones visuales que se establecen entre ellos; reproduce la comunicación con elegancia, habilidad y eficacia mediante palabras impresas. Es también el estudio y clasificación de las diferentes familias o tipos de letras, así como el diseño de caracteres unificados por propiedades visuales uniformes.

El campo de la tipografía, abarca la realización de libros, periódicos, revistas, anuncios publicitarios, y cualquier otro documento impreso que se comunique mediante palabras.

PIONEROS DE LA TIPOGRAFÍA

JOHANNES GENSFLEISCHZUR GUTENBERG: Nació en Maguncia, Alemania entre los años 1398 y 1400, conocedor del arte de la fundición de oro, se destacó como herrero para el obispado de su ciudad. En 1434 residió como herrero en Estrasburgo, donde cinco años más tarde se vio envuelto en un proceso, que demuestra de forma indudable, que dicho personaje había formado sociedad con HanzRiffe, para desarrollar ciertos procedimientos secretos. Al regresar a Maguncia, forma nueva sociedad con un banquero que le hace un préstamo el cual emplea para publicar el primer libro tipográfico del mundo en 1449, cuyo título es "Misal Constanza".

En 1452, Gutenberg da comienzo a la edición de la Biblia de 42 líneas. Debido a la carencia de solvencia económica, se ve obligado a difundir el secreto de montar imprentas para poder subsistir; este hecho ocurre en el año 1455.

Muere el 3 de febrero de 1468, pero, a pesar de la oscuridad de sus últimos años de vida, siempre será reconocido como el inventor de la imprenta moderna.

El verdadero mérito de Gutenberg, fue el prefeccionar técnicas hasta conseguir un procedimiento tipográfico que ha permanecido sin apenas cambios hasta los primeros compases del siglo XX. Para ello procedió a sustituir la madera porel metal, fabricando moldes de fundición capaces de reproducir tipos metálicos suficientemente regulares como para permitir la composición de textos. Fue esta invención, la imprensión tipográfica con tipos móviles metálicos, la que dio origen al libro moderno.

FIRMÍN DIDOT: ( París 1764 - 1836) fue un grabador, impresor y tipógrafo francés, miembro de la más célebre familia de impresores franceses que comenzó a trabajar en este oficio en el siglo XVIII. Creador de la técnica de estereotipo, que en impresión se refiere a una plancha metálica, ampliamente utilizada en la impresión comercial actual y que en su momento revolucionó el mercado permitiendo la producción de ediciones muy económicas.  Considerado el creador de la clasificación moderna de las familias tipográficas. El nombre de una unidad de medida en tipografía lleva su nombre: el punto Didot.  

 

CLAUDE GARAMOND: (1490 - 1561) era un tipógrafo, impresor y grabador de matrices francés. Su obra tipográfica se considera clásica dentro del estilo antiguo e inspiración para composiciones modernas. Nace en París y aprende en oficio bajo la tutoría de Antoine Augereau y de Simón de Colines. (1510)

Hace uso de la primera tipografía dibujada, grabada y fundida por él mismo en el libro Paraphrasis in Elegantiarum Libros LaurentiiValle de Erasmo de Rotterdam en el año 1530, fue bastante popular dentro del gremio de la época.

En 1545 se convierte en su propio editor presentando sus propios tipos incluyendo una nueva cursiva. Su estilo para la edición de libros fija sus raíces en los trabajos de los impresores venecianos que tenía como destinatarios a los integrantes delas clases altas. El primer libro que publicó fue Pia religiosa Meditatio de David Chambellan. Muere en 1561, y sus pertenencias fueron subastadas.

 

GIAMBATTISTA BODONI: Nació en 1740 en Saluzzo, Italia. Su padre era impresor y le enseño el oficio desde temprana edad. Se traslada a Roma para trabajar en la imprenta de la Congregación para la Propagación de la Fe, imprenta que abandona cuando el director de la misma, que fue su mentor, se suicida. 

Años más tarde, en Parma, trabaja supervisando la impresión y producción de multitud de elegantes ediciones de los clásicos así como una celebrada edición de la Oratio dominica publicada en 1806. La obra contiene 155 lenguas del Padre Nuestro, lleva un prólogo en francés, italiano y latín. 

Las ediciones de Bodoni tuvieron un enorme éxito debido a la excelente calidad de las mismas, utilizando para ello ricas ilustraciones y elegantes tipografías; mezclaba tintas, usaba papel de la mejor calidad, diseñaba elegantes páginas y los imprimía y encuadernaba primorosamente. En 1798, diseña un tipo con un gran contraste en sus trazos y unos remates delgados. Muere en 1813; años más tarde su viuda  publica su obra magna el Manual Tipográfico. (1818) 

ELEMENTOS BÁSICOS DEL DISEÑO

ELEMENTOS BÁSICOS DEL DISEÑO GRÁFICO

La eficacia de la comunicación de un mensaje visual, dependerá de la elección de los elementos que utilice el diseñador y del conocimiento que tenga de ellos, ya que estos son los componentes básicos de todo Diseño, pues se les considera como el alfabeto para la elaboración de mensajes visuales.

PUNTO:

Es la unidad gráfica más pequeña, más simple e irreductiblemente mínima de la comunicación visual. Elemento plástico básico. Indica posición, no tiene largo ni ancho, ocupa una superficie y tiene límites que lo separan de otros elementos. Es el principio y fin de una línea y donde dos de las mismas se cruzan. 

Su forma externa es variable, puede ser circular, triangular, cuadrada o como una simple mancha  sin característica geométrica. Y este resulta del choque del instrumento con la superficie material, con la base, la misma que puede ser papel, madera, tela y la herramienta que puede ser un lápiz, punzón, pincel, pluma.

La unión de puntos sobre una superficie es considerada como trama o textura, pues se produce un efecto colectivo tonal según la densidad y/o tamaño de los puntos. En gran cantidad y yuxtapuestos, los puntos crean ilusión de tono y color.

LÍNEA:

Considerada como la traza o recorrido que deja el punto al moverse o como la unión de dos o más puntos. Y a su vez es una suma de puntos. 

La línea, en  su conformación bidimensional, representa la posibilidad de expresión más sencilla y pura a la vez que la más dinámica y variada. Considerada como movimiento en longitud mientras la relación ancho/largo no sobrepase una proporción determinada. 

La repetición y proximidad de líneas generan planos y/o texturas. La línea en sí tiene significación propia y aumenta el grado de expresividad, por tanto refuerza un mensaje.

Una línea es direccional y posicional, tiene longitud, pero no anchura. Divide o circunda un área. Se encuentra en el borde de una forma. 


Pueden tener:

Bordes lisos.

Extremos rectos.
Extremos redondeados.

Extremos en punta.          

Cuerpo sólido.

Cuerpo texturado.

Dirección recta.

Dirección curva.

Homogénea.

Modulada.

PLANO:

Es un área de diseño en un espacio ininterrumpido, definido por bordes. Es el recorrido de una línea en movimiento (en dirección distinta a la suya intrínseca). 

El plano tiene largo y ancho, pero no grosor. Tiene también posición y dirección; está limitado por líneas y define los límites extremos de un volumen.

Las distintas formas planas pueden clasificarse en: 

• Orgánicas: rodeadas de curvas libres que sugieren fluidez y desarrollo.
• Irregulares: uniones de rectas y curvas.
• Manuscritas: caligráficas o creadas a mano alzada.
• Accidentales: determinadas por el efecto de procesos o materiales especiales u obtenidas accidentalmente.

ORÍGENES DEL DISEÑO GRÁFICO

 

ORÍGENES DEL DISEÑO GRÁFICO

Art Nouveau

El arte nuevo es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX . Es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Su nombre se debe a una exposición realizada en una galería "La maison del Art Nouveau", diseñada por Siegfrid Bing, francés dedicado al arte.(1838-1906)

 

Las principales características de este arte nuevo son la belleza de sus imágenes, la autenticidad de su época y el empleo de técnicas propias tales como: la xilografía, cartelismo e impresión. Es importante resaltar también que es la primera corriente que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores, pues busca la identidad de lo urbano y lo moderno de ese tiempo.

Los motivos  más usados en este arte eran las flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía.

CUBISMO

Movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nace en Francia y está encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque.  Se inicia con el cuadro "las señoritas de avignon" de Pablo Picasso. 

Es una tendencia esencial pues rompe todo lazo con la pintura tradicional. Se le considera la primera vanguardia. En este estilo se tratan las formas de la naturaleza mediante figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Sus géneros no son nuevos y entre ellos destacan las imágenes de bodegones, paisajes y retratos. 

 

En este periodo se eliminan colores sugerentes típicos de otras corrientes y en lugar de ello se emplean como tonos pictóricos los grises, verdes y marrones.

 

Al inicio predominó el monocromatismo, pero luego se dio pase a la paleta y más tarde se llegaría a  lo que se conoce como  collage. Cabe resaltar que dentro surgen dos tendencias: cubismo hermético, caracterizado por la importancia de los puntos de vista y la geometrización. Y el cubismo sintético, en el que se introducen elementos diversos tanto tradicionales como nuevos para la construcción de un cuadro. 

FUTURISMO

Movimiento literario y artístico que surge en Italia, llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, se quiere crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Se toma como modelo las máquinas con sus atributos: fuerza, rapidez, velocidad. Dignifica la guerra como espacio donde a maquinación, energía y deshumanización han alcanzado las máximas metas. La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento.

  

El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. 

UMBERTO BOCCINIO

Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento,  eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo. 

 

DADAÍSMO 

Nació en Alemania y Suiza durante la Primera Guerra Mundial. Proveniente del término "dada" que significa "caballito de juguete" en francés. Este movimiento se desarrolla en Europa y Estados Unidos y defiende la libertad del hombre, la espontaneidad y la destrucción. 

 

Se caracterizó por revelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y especialmente por burlarse de artista burgués y de su arte.

 

Los pintores utilizaron figuras amorfas, emplean el simbolismo y sus obras no tienen explicación por sí mismas, sin la ayuda del autor. Utilizan colores lisos, pero sordos, es un arte provocativo, con mezcla de géneros y materias propias del collage. Es el arte del cuestionemiento sobre ¿qué es el arte? y que no existen reglas fijas para ello. Se emplean con frecuencia métodos artísticos incomprensibles, apoyados en lo absurdo o irracional.

  

 SURREALISMO

Comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. 

 

Para los surrealistas la obra nace de cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Se intenta plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que se utilizaron recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. 

 

La fuente de inspiración para los pintores será el pensamiento oculto y prohibido, el erotismo y el sexo son tratados de forma impúdica. Entre los artistas más destacados se encuentran: Ernest, quien empleo la técnica del frotagge; Tanguy y Magritte. 

 

Obra de Ernest

CONSTRUCTIVISMO

Surge en Rusia en 1920. Este movimiento se caracteriza por ser muy abstracto, recurre a figuras geométricas muy bien definidas; su fundador es el escultor Vladimir Tatlin, quien se dedicó a elaborar piezas escultóricas abstractas, por medio de la utilización de diferentes materiales industriales.

Los artistas de esta época se situaron con un nuevo rol, retomaron las formas que estaban a su alrededor y crearon nuevas obras. Los materiales que empleaban eran simples y los protagonistas no veían sus obras como arte. Se le dio relevancia a la técnica con la cual se elaboraba el producto.

Destacó la tridimensionalidad, la escultura, arquitectura y el diseño industrial.

Monumento a la III Internacional - Tatlin

Esta corriente es muy significativa, pues forma cierto lazo entre el arte y el diseño, pues se ha servido de corrientes anteriores mezclando sus aportaciones para renovar la estética.

ART DECÓ

Se desarrolló en el periodo de entreguerras, entre 1920 y 1939 en Europa y América. Es el estilo propio de las artes decorativas. Alcanza su máximo auge en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925. Se caracteriza por la profusión ornamental, el lujo de los materiales y el frecuente recurso a motivos geométricos como el cubo, la esfera, la línea recta y los zigzags. 

Se representan abstracciones que muestran la naturaleza, rayos luminosos, radiantes, fluidos acuáticos y nubes ondulantes; con la fauna se hace referencia a ciertas cualidades como la velocidad y usan gacelas, palomas, garzas, se represento también la flora y fitomorfos. otra característica importante es la utilización de materiales tales como la baquelita, el cromo, el plástico, maderas nobles, el ébano y palisandro, pieles de zapa, tiburón y el carey.

 

Los artistas representantes del Decó, son entre otros: Maurice Dufrene, Jean Dunand, André Groult, Pierre Chareau, Paul Follot.

 

• DE STIJL
  
  
  Se conoce con el nombre DE STIJL o EL ESTILO, al grupo de artistas y la revista fundados en 1917 por Modrian y Van Doesburg en la ciudad de Leiden, con el objetivo de difundir los principios del neoplasticismo. Esta corriente se caracterizó principalmente por la frase: 

  " Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el estilo."

   
  
  
  Los artistas de este tiempo, buscaron la renovación de la estética y la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal, eliminando todo lo superfluo hasta que prevalezca sólo lo elemental; depuraron las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos. Su planteamiento fue totalmente racionalista, emplearon líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, verticales, horizontales o formando ángulos rectos, colores primarios o tonales y fondos claros.
  
  
   
  
  
  
  
  
  
  EXPRESIONISMO ABSTRACTO
  
  Es un movimiento pictórico contemporáneo de las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 40 durante el siglo XX en Estados Unidos. 
  Las características formales de este estilo son la preferencia por los grandes formatos, el trabajo con óleo sobre lienzo; se elimina todo tipo de figuración, aunque algunos emplean trazos figurativos y aparecen figuras reconocibles.
  
  

   

  
  
  Los expresionistas abstractos conciben la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie de cuadro. El cromatismo es limitado: el blanco y negro, así como los colores primarios: magneta, amarillo y cian; reducen la obra prácticamente a un solo color, pues anticipaban el arte minimal.
  
  
   

  
  
  El arte con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta la angustia y el conflicto del tiempo.
  
  
  

   
  
  

  
  

  CONCLUSIÓN
  
  
  El diseño gráfico ha evolucionado con el pasar de los tiempos, pero es importante conocer su trayectoria, puesto que todo lo que nos rodea es arte y todo arte tiene una intención. Y dicha intención es expresar algo, la cual es comunicación.